BERLIN / LONDON (IT BOLTWISE) – Mehrere Ausstellungen rücken den Impressionismus in den Fokus, weil in diesem Jahr auch der 100. Todestag von Claude Monet (1840-1926) begangen wird. Im Gespräch mit der Alten Nationalgalerie wird deutlich, warum die Werke heute noch so emotional wirken: Farbe und Licht verändern die Wahrnehmung, je näher man ans Bild herangeht. Außerdem zeigt der Blick auf Besuchszahlen, dass Sonderausstellungen zum Impressionismus regelmäßig stark nachgefragt sind. Und selbst digitale Nachbildungen können den entscheidenden Punkt nicht ersetzen: die Erfahrung des Originals im Raum.
Wenn der Impressionismus in Erinnerung bleibt, dann meist nicht über Argumente, sondern über Bilder im Kopf: eine Frau mit Sonnenschirm, Heuhaufen im Abendlicht oder Monets weltberühmte Seerosen. Genau diese Zugänglichkeit nutzt die aktuelle Ausstellungsdichte in Deutschland, denn in diesem Jahr jährt sich der 100. Todestag von Claude Monet. Die Direktorin der Alten Nationalgalerie in Berlin, Anette Hüsch, bringt es auf den Punkt: „Man sieht erst einmal wunderbare Farbwelten, die einfach viele Menschen als angenehm empfinden.“ Damit beschreibt sie weniger eine einzelne Technik als ein erstes Reizprofil, das bei vielen Betrachterinnen und Betrachtern sofort funktioniert. Der Impressionismus bietet dem Publikum folglich keinen Wissensvorsprung als Voraussetzung, sondern startet bei Wahrnehmung und Stimmung.
Entscheidend wird es dann, sobald der Abstand zum Bild kleiner wird. Hüsch beschreibt den Effekt als zweistufige Seherfahrung: „Mit der Entfernung zum Bild ändert sich auch die Seherfahrung. Aus größerer Entfernung erkenne man ein Motiv, aber wenn man näher an das Bild herantrete, sehe man eine Farbsymphonie.“ Diese Formulierung passt technisch zur Arbeitsweise impressionistischer Malerei, bei der einzelne Farbsetzungen den Gesamteindruck erst aus Distanz sinnvoll verdichten. Aus der Nähe wird sichtbarer, dass das Motiv nicht „glatt“ erzählt wird, sondern aus Strichen, Tupfern und Überlagerungen aufgebaut ist. Das führt nicht nur zu einer ästhetischen Steigerung, sondern auch zu einem Perspektivwechsel: Wer das Bild näher betrachtet, wird zum aktiveren Leser der Malspur. Genau darin liegt für viele auch der „Aha“-Moment – man erkennt, dass Bild und Wahrnehmung zusammenspielen.
Daneben ordnet Hüsch die Anziehungskraft des Impressionismus inhaltlich ein: Impressionistische Motive sind häufig eng mit Natur und Alltagswelt verknüpft – Freiluftmalerei, Landschaftsstimmungen, Wasser, Licht und bestimmte wiederkehrende Motive wie Seerosen, Kathedralenansichten oder Brücken. „Das sind einfach Motive, die ganz viel mit der Sehnsucht nach Naturverbundenheit, nach Klarheit, auch nach Problemlosigkeit zu tun haben“, sagt Hüsch. Interessant ist dabei die Spannung zwischen Sehnsucht und historischer Realität: Diese Werke entstanden, so der Hinweis aus der Alten Nationalgalerie, in einer Zeit, die keineswegs „spannungsfrei“ war. Gerade dadurch wirkt die Bildwelt als Kontrastangebot. Viele Betrachterinnen und Betrachter können in einer modernen, schnell getakteten Umgebung „abtauchen“ und etwas Ruhe gewinnen – ohne dabei auf eine didaktische Überforderung zu stoßen.
Wie stark das Publikum tatsächlich reagiert, lässt sich auch an der Angebotsnachfrage beobachten. Nach Einschätzung des Instituts für Museumsforschung, das jährlich Besuchszahlen deutscher Museen erfasst, sind impressionistische Ausstellungen oft gut besucht; „Wenn eine Sonderausstellung zum Impressionismus läuft, sind die Zahlen relativ hoch“, sagt Direktorin Patricia Rahemipour. Sie verweist zugleich auf einen einfachen, aber wirksamen Mechanismus: Viele Menschen hätten schon einmal etwas vom Impressionismus gehört, kennen den Stil grob wieder und fremdeln daher nicht. Das „Anknüpfen“ funktioniert außerdem über Medienformate – von Fernsehdokumentationen bis hin zu immersiven Ausstellungen, in denen Projektionen in eine Bilderwelt führen. „Es hat einen hohen Wiedererkennungseffekt und dann fühlt man sich auch gleich besser und sicherer in einer Ausstellung“, erläutert Rahemipour. In dieser Sichtweise ist Erfolg nicht nur eine Folge von Marketing, sondern von Wiedererkennbarkeit und sozialer Sicherheit im Ausstellungskontext.
Rahemipour ergänzt diesen Gedanken aus der Perspektive der Besucherin. „Man darf ja auch nicht vergessen, dass ich als Besucherin nicht nur den Anspruch habe, etwas zu lernen“, sagt sie. „Sondern ich möchte mich ja auch gut fühlen.“ Dieser Satz trifft einen Kern, der gerade in Kunstvermittlung häufig unterschätzt wird: Die Befürchtung, „nicht richtig“ zu sehen oder sich in einer Umgebung falsch zu verhalten, kann Hemmschwellen erhöhen. „Meistens fühle man sich in einer Umgebung unwohl, wenn man nicht wisse, wie man sich benehmen solle, viel falsch machen könne und es viele Leute gebe, die einem erklärten, was eigentlich zu sehen sei“, so Rahemipour weiter. Deshalb ist „nicht unwissend fühlen“ offenbar ein zentraler Bestandteil der Besuchererfahrung. Wenn das Publikum bereits Vorstellungen mitbringt – auch wenn sie unscharf sind – wird der Museumsgang emotional leichter.
Die Ausstellungspraxis zeigt dabei, wie unterschiedlich der Impressionismus inhaltlich „gerahmt“ werden kann. In Berlin etwa steht in der Alten Nationalgalerie aktuell „Cassirer und der Durchbruch des Impressionismus“ im Mittelpunkt; dort wird auch der Blick auf den Kunstsalon des Paul Cassirer wichtig, der schon früh Impressionisten zeigte, als sie noch weniger beliebt waren. Das verweist indirekt auf den Marktmechanismus hinter Kunstgeschichte: Ob sich bestimmte Künstlerinnen und Künstler durchsetzen und ob sich eine Kunstrichtung etabliert, hängt wesentlich auch davon ab, ob gefördert und gesammelt wird. In Potsdam widmet sich das Museum Barberini derzeit Paul Signac und dem Neoimpressionismus, zuvor gab es dort eine Ausstellung zu Max Liebermann und zum Impressionismus in Deutschland. Das Frankfurter Städel wiederum hebt zuletzt „Monets Küste – Die Entdeckung von Étretat“ hervor. Gleichzeitig stellt Rahemipour klar, dass der Eindruck „besonders vieler“ Impressionismus-Ausstellungen nicht zwingend einer echten Zunahme entspricht; oft seien es eher Aufmerksamkeit in den Medien und die Bekanntheit einzelner Werke, die den Eindruck verstärken.
Technisch-historisch erklärt sich die Wirksamkeit der Bildsprache auch durch die Voraussetzungen, die das Malen im Freien überhaupt ermöglichten: Im 19. Jahrhundert spielten tragbarere Staffeleien und neue Farben eine Rolle. Viele impressionistische Bilder wirken heute leicht, gerade weil die Wahrnehmung aus Distanz funktioniert, während die Materialität aus der Nähe sichtbar bleibt. Für Hüsch zeigt diese „scheinbare“ Leichtigkeit zugleich, dass die Bilder von Menschenhand geschaffen sind. Zudem setzt sie einen Kontrapunkt zur digitalen Gegenwart: „Unsere Sehgewohnheiten sind inzwischen durch so viele Filter gegangen.“ Heute könne man vieles am Rechner herstellen, und Apps verwandelten Fotos in angeblich impressionistische Werke. Aber gerade hier wird der Unterschied zwischen Simulation und Erlebnis deutlich: Die Besonderheit des Museumsbesuchs liege darin, „vor einem Original zu stehen“. „Licht und Schatten sowie die pastose Malweise seien unmittelbar wahrnehmbar. Man erkenne die Höhen und Tiefen des Farbauftrags und könne das Werk von verschiedenen Seiten betrachten“, sagt Hüsch. Damit macht der Besuch jene Erfahrung wieder zugänglich, die die Künstlerinnen und Künstler selbst gemacht haben – nicht nur das Motiv zu sehen, sondern die eigene Perspektive darauf auszurichten.
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