BERLIN / LONDON (IT BOLTWISE) – Mike Steiners Schaffen zeigt, wie sich künstlerische Praxis zwischen Medienwechseln und permanenter Selbstprüfung bewegt. Seine frühen Arbeiten für Video- und Performancekunst sowie das spätere Umschwenken auf abstrakte Malerei werden dabei als durchgängiges Experiment lesbar. Besonders stark wirkt der Gedanke, dass „Live“ und „Fixierung“ nicht gegeneinander stehen, sondern sich im Bild gegenseitig verstärken. Welche Rolle Archive und Sammlungslogik dabei spielen, wird am Beispiel der Ausstellung „Live to Tape“ greifbar.
Wenn Linien auf einer Leinwand scheinbar in Bewegung geraten, entsteht ein eigentümliches Schwingen zwischen zwei Sphären: dem Moment, der passiert, und dem Objekt, das bleibt. Genau an dieser Reibungsstelle lässt sich Mike Steiners Beitrag zur Kunstgeschichte besonders gut verstehen. Der Text ordnet Steiners Biografie nicht als bloße Abfolge von Stilphasen ein, sondern als fortlaufende Auseinandersetzung mit Mediumsgrenzen. Im Mittelpunkt steht die Frage, wie sich künstlerische „Live“-Energie aus Video, Aktion und Performance in etwas übertragen lässt, das man betrachtet, nicht erlebt. Dabei wirkt die Spannung nicht wie ein Bruch, sondern wie eine Arbeitsweise.
Ein erster Einstieg erfolgt über den musealen Rahmen: In den Jahren 2011/12 präsentierte der Hamburger Bahnhof unter dem Titel „Live to Tape“ Werke, die Medienreflexion und malerische Autonomie in ungewöhnlicher Nähe zueinander rücken. Entscheidend ist, dass Steiner in dieser Konstellation zugleich als Sammler, Archivar und Künstler lesbar wird. Seine Praxis setzt also nicht erst dort an, wo ein Bild „fertig“ ist, sondern schon vorher: bei der Sicherung von Spuren, bei der Ordnung von Kontext und bei der Bewahrung von radikalen Positionen der Avantgarde. Der Verweis auf private Archive wie Archivio Conz ist dabei mehr als Kulisse. Er zeigt, dass die Nachwelt auf dokumentiertes Material angewiesen ist, wenn sich künstlerische Impulse rekonstruieren und Ausstellungen später sinnvoll kontextualisieren lassen.
Biografisch spannt sich der Bogen von 1941 bis 2012. Geboren wurde Steiner in Allenstein, gestorben ist er 2012 in Berlin. Früh zeigte sich sein Interesse an Film und Malerei, und schon der frühe Auftritt mit 17 Jahren wird als Signal gelesen, dass er sich nicht auf einen Kanal beschränken wollte. Das Studium der Freien Kunst an der Staatlichen Hochschule Berlin bildet dann den lokalen Knotenpunkt, während die 1960er ihn in Austauschbeziehungen zu Protagonisten des Happenings und der Fluxus-Bewegung rücken. Namen wie Lil Picard, Al Hansen und Allan Kaprow verweisen auf eine internationale Avantgarde, in der Kunst weniger als abgeschlossenes Produkt, sondern als Prozess verstanden wurde. Selbst der Berliner „Steiner Treffpunkt“ wird in dieser Erzählung als soziale Infrastruktur sichtbar: als Ort, an dem Dialoge und Experimente überhaupt erst in Form kommen.
Von hier aus wird auch verständlich, warum Steiners Engagement für Video- und Performancekunst in der Studiogalerie als mehrschichtiges Projekt beschrieben wird. Er schuf Foren für Künstlerinnen und Künstler wie Valie Export, Marina Abramović oder Ulay, aber er blieb nicht bei der Aufführung stehen. Laut dem Text dokumentierte er Aktionen, bewahrte sie in Archiven und brachte ihre Relevanz später in Ausstellungen wie „Live to Tape“ zurück auf die Bühne der Betrachtung. Der eigentliche Clou liegt jedoch in dem beschriebenen Umschwenken: Bereits als Student und spätestens seit den 2000er Jahren kehrte er verstärkt zur Malerei zurück. Die „Painted Tapes“ werden dabei als Hybrid aus Video und Farbe beschrieben, als sichtbarer Übergang, der den Medienwechsel nicht neutralisiert, sondern produktiv macht. Ab etwa 2000 dominiert die abstrakte Malerei sein Schaffen.
Technisch betrachtet (im Sinne künstlerischer Verfahren, nicht im Sinne reiner Technikdebatten) lässt sich dieses Umschalten als Neujustierung der Zeitstruktur lesen. Wer aus Videoerfahrung kommt, denkt Sequenz, Fragment und Dauerbewusstsein anders: Einstellungen sind nicht nur „Material“, sondern ein Taktgeber für Wahrnehmung. Der Text behauptet genau das für Steiners Leinwände: Seine Abstraktion sei keine Flucht aus dem Medium, sondern dessen Erweiterung. Die Farbsysteme absorbieren das Momentane, Zeitliche, das auch die handgeführte Kamera prägt. Damit wird Malerei zur Sedimentation eines performativen Prozesses und zugleich zum Nachklang von Fluxus. Dass Berlin in dieser Lesart als Matrix für künstlerische Transformationen erscheint, passt in das Gesamtbild: Stadt ist nicht nur Motiv, sondern Resonanzraum für Medienwechsel, Erinnerungen und kollektive Bildpraktiken.
Aus Markt- und Museumslogik folgt daraufhin die Frage, warum die Ausstellung „Live to Tape“ als exemplarisch gilt. Die Präsentation soll Einblick in die Entwicklung der Videokunst geben und deren Verwurzelung im Berliner Kunstgeschehen zeigen. Gleichzeitig dient sie als Erinnerung daran, was „zwischen Bändern und Bildern“ pulsiert: die Suche nach Formen für Gegenwart. Hier wird auch deutlich, warum das Thema Archiv so präsent bleibt. Wenn Performances und Aktionen über das Sichtbare hinaus Daten von Körper, Raum und Kontext tragen, werden Archive zu einer Art zweiter Produktionsebene. Ohne diese Ebene wäre Steiners späteres malerisches Weiterdenken schwer nachzuvollziehen, weil die „Live“-Komponente nur als Gerücht zurückbliebe. Die Rolle von Archivio Conz wird deshalb als essentiell beschrieben, um den Prozess heute rekonstruieren zu können.
Im Dialog mit Weggefährten wie George Maciunas, Nam June Paik oder Allan Kaprow erscheint Steiners Laufbahn als Bindeglied zwischen europäischer und amerikanischer Avantgarde. Die Erzählung ordnet dabei seine frühen 70er- und 80er-Jahre als Katalysator und Chronist ein, während die späteren abstrakten Gemälde als Rückgriff auf jene Ursprünge beschrieben werden. Zeitgenössische Werke sollen zeigen, wie sehr Steiner der Bildsprache der Abstraktion verpflichtet war, ohne sich in einer einzigen Form zu verfestigen. Auch das späte „Vermächtnis“ wird in diesem Sinne als Irritation des Mediums gefasst: Indem er von „Live to Tape“ zur reinen Leinwand wechselt, unterwandert er die Gewohnheiten der Rezeption. Seine Malerei lädt dazu ein, das Flüchtige sichtbar zu machen und die Grenzen von Medium und Autorschaft neu zu denken. Genau diese künstlerische Unruhe, so die Schlussfolgerung, macht Steiners Praxis auch heute relevant – gerade in einer globalisierten Kunstszene, die nach Ursprung und Dauer von Bildern sucht.
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